Das Projekt ist einmalig. \u00dcber 100 feministische K\u00fcnstler:innen und Kollektive hat Young zusammen mit ihrem Kurator:innenteam, zu dem unter anderem die bekannte britische Kunsthistorikerin und Geschlechterforscherin Griselda Pollock und Marlene Smith, K\u00fcnstlerin, Kuratorin und Gr\u00fcndungsmitglied der BLK Art Group<\/em>, geh\u00f6ren, in der Ausstellung versammelt: Mehr als 630 Kunstwerke und Archivmaterial haben sie zusammengetragen. Neben Malerei, Zeichnungen, Fotografien, Skulpturen, Druckgrafiken, Videos und Installationen finden sich zeitgen\u00f6ssische feministische Magazine und Newsletter, Zeitungsausschnitte, Briefe und selbst gemachte Protestbuttons.<\/p>\n\n\n\n Eine Erhebung dieser Art und Gr\u00f6\u00dfe hat es in Gro\u00dfbritanniens Kunstwelt bisher nicht gegeben. Tats\u00e4chlich sind viele der K\u00fcnstler:innen sogar selbst zum ersten Mal Teil einer solch umfassenden Ausstellung, ihre Kunst zum ersten Mal in einer solch renommierten Kunstinstitution vertreten. „Wir haben nicht erwartet, Ausstellungen in der Tate zu bekommen“, erinnert sich die Fotografin Ingrid Pollard in einem Interview<\/a> mit dem British Journal of Photography <\/em>an ihre k\u00fcnstlerischen Anf\u00e4nge in den 1980er-Jahren: „Wir haben uns selbst organisiert, unsere Kunst in alternativen R\u00e4umlichkeiten ausgestellt \u2013 in Gemeindezentren, Caf\u00e9s, B\u00fcchereien, bei uns zu Hause.“<\/p>\n\n\n\n „Wir wurden ja \u00fcberhaupt nicht als K\u00fcnstler:innen wahrgenommen“, sagt auch Pru Stevenson in der sechstteiligen Podcast-Serie, die die Ausstellung begleitet. Stevenson war Mitglied des See Red Women\u2019s Workshop<\/em>, eines feministischen Siebdruck-Kollektivs aus London, das Poster f\u00fcr feministische Kampagnen entwarf.<\/p>\n\n\n\n Der Kampf um Sichtbarkeit und Anerkennung \u2013 als K\u00fcnstler:innen, als Frauen \u2013 steht im Mittelpunkt der Ausstellung, die sich \u00fcber sechs R\u00e4ume erstreckt und chronologisch aufgebaut ist. Sie beginnt mit der ersten National Women\u2019s Liberation Conference<\/em> im Februar 1970 und schlie\u00dft mit dem Ende der Thatcher-Regierung und den Debatten um die von ihr eingef\u00fchrte, umstrittene Gesetzeserweiterung „Section 28“, die die staatliche Berichterstattung von und Aufkl\u00e4rung \u00fcber Homosexualit\u00e4t unter Strafe stellte.<\/p>\n\n\n\n Dazwischen erstrecken sich viele verschiedene, faszinierende und ber\u00fchrende, aber auch erschreckende und gewaltvolle Biografien und Geschichten. Zum Beispiel die der Postal Art Group<\/em>, eines Netzwerks, das sich 1975 um die K\u00fcnstlerin Su Richardson gegr\u00fcndet hat und durch das sich an das Haus gebundene, oft einsame Frauen per Post kleine DIY-Kunstwerke zuschicken konnten. Man taucht ein in die Zeit der Zweiten Frauenbewegung, nimmt mit Alexis Hunter und Monica Sj\u00f6\u00f6 Teil an Diskussionen um Reproduktionsarbeit und h\u00e4usliche Gewalt, besucht Selbsterfahrungsgruppen mit Su Richardson und Anti-Atomdemonstrationen mit Shirley Cameron, steht mit Linder und ihrer Post-Punk-Gruppe Ludus<\/em> auf der B\u00fchne, erlebt zusammen mit den Mitgliedern der OWAAD (Organisation of Women of African and Asien Decent<\/em>) die revolution\u00e4ren Anf\u00e4nge des British Black Art Movement<\/em> und mit Pratibha Parmar die Angst vor dem noch unbekannten HIV-Virus.<\/p>\n\n\n\n „Wir sind nicht sch\u00f6n. Wir sind nicht h\u00e4sslich. Wir sind w\u00fctend“ steht auf einem Plakat direkt neben der Eingangst\u00fcr und setzt damit das Motto der Ausstellung. Daneben h\u00e4ngt ein Poster von See Red. Der Titel steht in gro\u00dfen Lettern am unteren Ende: Er hei\u00dft „Protest“. Zu sehen ist das Gesicht einer Frau. Es ist gr\u00fcn und sie hat rote Haare. Aus ihrem Mund kommen viele kleinere Frauenfiguren; besonders deutlich ist eine Teilnehmerin des Miss-World-Wettbewerbs zu erkennen. „Sie erbricht den ganzen Sexismus“, erkl\u00e4rt Pru Stevenson das Poster. 1970 hatte sie zusammen mit einigen anderen Aktivist:innen gegen den Sch\u00f6nheitskontest protestiert und die B\u00fchne mit Mehl-Bomben und faulem Obst beworfen. Die Wut \u00fcber eine patriarchale Gesellschaft, in der Sexismus zum Alltag, gar zum „guten Ton“ geh\u00f6rte, ist hier nicht nur sichtbar, sondern in der ganzen Ausstellung auch deutlich h\u00f6rbar: Gina Birchs dreimin\u00fctiger Schrei ert\u00f6nt durch alle R\u00e4ume. Es ist ihr Gesicht, das das Plakat der Ausstellung s\u00e4umt.<\/p>\n\n\n\n Subversion ist eine etablierte feministische Praktik, die bestehende Struktur- und Ordnungsmuster der Gesellschaft mit ihren eigenen Mitteln unterwandern will. Viele der „Women in Revolt“ wenden diese Strategie auch im Kampf gegen die sexualisierte Darstellung und Objektifizierung von Frauen in den Medien an. Ins Auge fallen besonders Linders radikal-feministischen Fotomontagen. Ihr Cover f\u00fcr die Single „Orgasm Addict“ der Punk-Band Buzzcocks<\/em> zeigt eine nackte Frau mit einem B\u00fcgeleisen auf dem Kopf und zwei breit grinsenden M\u00fcndern anstelle der Brustwarzen.<\/p>\n\n\n\n Auch die Zeichnungen von Margaret Harrisons wollen bewusst polarisieren, und mit „He\u2019s Only a Bunny Boy But He\u2019s Quite Nice Really“ ist ihr dies eindeutig gelungen. Die Aquarellzeichnung zeigt Hugh Hefner, den Gr\u00fcnder des Playboy-Magazins, wie er ein Bunny-Kost\u00fcm tr\u00e4gt und in lasziver und stolzer Pose eine Pfeife raucht. Anstelle seines Penis ist ein kleiner Hasenkopf zu sehen. Die Zeichnung war Teil von Harrisons erster eigener Ausstellung 1971 in der Londoner Motif Editions Gallery<\/em> und war nur einen Tag lang zu sehen: Die Ausstellung wurde wegen Unsittlichkeit von der Polizei ger\u00e4umt.<\/p>\n\n\n\n Im Mittelpunkt der Arbeit vieler K\u00fcnstler:innen steht der eigene, oft der schwangere K\u00f6rper. Neben Hugh Hefner h\u00e4ngt zum Beispiel noch ein zweites Bunny, das einen nicht schmunzelnd, sondern vielmehr beklemmend zur\u00fcckl\u00e4sst. Es sind die Fotografien einer Performance von Shirely Cameron, deren Kunst zum ersten Mal in einer institutionell bedeutenden Ausstellung zu sehen ist. „The Pregnant Bunny Girl“ von 1974 zeigt die hochschwangere Cameron in einem Playboy-Kost\u00fcm, die auf einer Landwirtschaftsmesse in einem Hasenk\u00e4fig eingeschlossen auf einem Klappstuhl sitzt. Um sie herum stehen die Messebesucher:innen und starren sie an. Sie wollte auf die diskriminierenden Schwangerschaftserfahrungen von Frauen aufmerksam machen, darauf, dass sie nicht mehr als attraktiv wahrgenommen werden, sobald sie schwanger sind, erz\u00e4hlt die Performance-K\u00fcnstlerin: „In der ganzen Reihe waren Tiere in K\u00e4figen und ich war eines von ihnen.“<\/p>\n\n\n\n Dass die Erkundung und Erfahrung der eigenen K\u00f6rperlichkeit zu zentralen Praktiken der Zweite-Welle-Feminist:innen geh\u00f6rten, verdeutlicht auch eine ausliegende Anleitung zur Benutzung eines Speculums. „Die Vagina hat haupts\u00e4chlich eine Geb\u00e4rfunktion“, schreibt die britische Schriftstellerin Eva Figes in ihrem 1970 erschienenen Werk Patriarchal Attitudes \u2013 Women in Revolt: A Series on the Emancipation of Women<\/em>, dem die Ausstellung ihren Namen entliehen hat. „Ehrbare Frauen sollten keine sexuelle Befriedigung wollen, sondern Kinder.“<\/p>\n\n\n\n Um den mit Scham besetzen K\u00f6rper aus der Unterdr\u00fcckung und Ausbeutung zu befreien, performte die Videok\u00fcnstlerin Catherine Elwes im Jahr 1979 f\u00fcr die Dauer ihrer Periode in der Londoner Kunsthochschule Slade. Sichtbar menstruierend und lediglich mit einem wei\u00dfen Kleid bekleidet, schloss sich Elwes daf\u00fcr drei Tage in einem verglasten Raum der Schule ein.<\/p>\n\n\n\n Der Film „Birth Rites“ von Robina Rose zeigt \u00fcber 75 Minuten eine Frau in den Wehen. Sie ist scheinbar nicht im Krankenhaus, sondern bei sich zu Hause. Sie wird umsorgt, gestreichelt, es wird beruhigend auf sie eingeredet. Sie st\u00f6hnt leise und reibt sich immer wieder ihre geschwollenen Br\u00fcste. Die Aufnahme hat etwas sehr Z\u00e4rtliches und Ber\u00fchrendes \u2013 nichts daran ist besch\u00e4mend.<\/p>\n\n\n\n Die Selbstportr\u00e4ts von Nancy Willis hinterfragen wiederum ableistische Sch\u00f6nheitsnormen und stereotypisierende Darstellungen der K\u00f6rper von Menschen mit Behinderung. Ihre Pastellbilder auf Ingres-Papier erinnern an die expressionistische Malerei des fr\u00fchen 20. Jahrhunderts. Die Person, die darauf zu erkennen ist, sieht verletzlich aus. Es ist ein K\u00f6rper, den es wahrzunehmen und zu sch\u00fctzen gilt.<\/p>\n\n\n\n Die Bilder von Erica Rutherford und die Fotografien von Del LaGrace Volcano zeigen nichtbin\u00e4re, nicht geschlechtskonforme K\u00f6rper und sie machen zugleich darauf aufmerksam, wie lange queere K\u00fcnstler:innen schon Teil feministischer Bewegungen sind.<\/p>\n\n\n\n Ein weiterer Themenschwerpunkt neben dem K\u00f6rper ist die Aushandlung von Reproduktionsarbeit. Da ist Bobby Bakers Installation „An Edible Family in a Mobile Home“, die sie erstmalig 1976 in ihrem Fertighaus durchgef\u00fchrt und f\u00fcr diese Ausstellung erneut in einem Au\u00dfenbereich des Tate aufgebaut hat. W\u00e4hrend Vater, Tochter, Sohn und Baby aus essbaren Kuchen, Keksen und Meringues hergestellt und von den Besucher:innen zu verzehren sind, ist es einzig die Mutter, die am Ende \u00fcbrig bleibt. Sie hat den K\u00f6rper einer Schneiderpuppe, in deren Unterleib ein Fach mit frischen Sandwiches und Kuchenst\u00fccken eingebaut ist und deren Kopf durch eine gef\u00fcllte Teekanne ersetzt wurde: Egal was passiert, sie serviert unerm\u00fcdlich weiter. Ern\u00e4hrung und Versorgung ist die Hauptaufgabe der Frau. Obwohl das Lohngleichheitsgesetz in Gro\u00dfbritannien im Jahr 1970 eingef\u00fchrt wurde, blieben die tradierten Geschlechterrollen weiter bestehen. Viele der K\u00fcnstler:innen nahmen Teil an den Debatten um Lohn f\u00fcr Hausarbeit und machten mit DIY-Projekten bewusst auf ihre mangelnden finanziellen Ressourcen aufmerksam.<\/p>\n\n\n\n Auch Sonia Boyce war in ihren k\u00fcnstlerischen Anf\u00e4ngen auf sich selbst angewiesen. „Ich machte mich selbst zum Subjekt meiner Bilder, weil ich es mir nicht leisten konnte, jemanden daf\u00fcr zu bezahlen“, erz\u00e4hlt die K\u00fcnstlerin, die heute als eine der renommiertesten Vertreter:innen des in den 1980er-Jahren beginnenden British Black Art Movement<\/em> gilt und die 2022 Gro\u00dfbritannien als erste Schwarze K\u00fcnstlerin auf der Biennale in Venedig vertreten hat.<\/p>\n\n\n\n Viele Women of Color waren und sind noch bis heute von einer besonders prek\u00e4ren Situation betroffen: Sie sind doppelt diskriminiert \u2013 aufgrund ihres Geschlechts, aber eben auch aufgrund von race<\/em>. „Schwarze Frauen wurden nicht gesehen und vergessen“, berichtet Stella Dadzie im Gespr\u00e4ch mit Young. Auch von den wei\u00dfen <\/em>Mittelklasse-Feministinnen. „Die anti-rassistischen Communities waren bessere Orte f\u00fcr Schwarze Frauen als die wei\u00dfen<\/em> feministischen Gruppen“, erinnert sie ihre damalige Wahrnehmung.<\/p>\n\n\n\n Das Tate widmet den Schwarzen K\u00fcnstler:innen gleich zwei R\u00e4ume. Claudette Johnson beeindruckt mit lebensgro\u00dfen Portr\u00e4tzeichnungen, Lesley Sanderson mit ihrem Selbstportr\u00e4t „Time for Change“, das bewusst mit exotischen Stereotypisierung spielt, und Houria Niati mit „Not To Torture“, das Eug\u00e8ne Declacroix\u2019 rassistisches Gem\u00e4lde „Die Frauen von Algier“ dekonstruiert. Sie alle verleihen Schwarzen Frauen Sichtbarkeit und Handlungsmacht. Da ist aber auch Marleen Smith\u2019 Kunstwerk „Good Housekeeping“, das an die von der britischen Polizei in ihrem eigenen Haus 1985 ermordete Schwarze Frau Dorothy Groce erinnert. Die Allt\u00e4glichkeit (staatlich) rassifizierter Gewalt ist in diesen zwei R\u00e4umlichkeiten dauerhaft pr\u00e4sent.<\/p>\n\n\n\n Beim Verlassen der Ausstellung klingen die Worte von Margaret Harrison noch einmal nach: Ihr Glaube an die Unm\u00f6glichkeit einer solchen Ausstellung \u2013 ein Albtraum. Und trotzdem der Wille, es zu versuchen. Der Versuch ist gelungen. Diese „Women in Revolt“ kommen einem nah: Cosey Fanni Tutti, die in einem Kleid aus rohem Fleisch gegen die pornografische Clubszene protestierte, Penny Slinger in ihrem handgemachten, grotesk anmutenden Hochzeitskuchenkost\u00fcm, Helen Chadwick, Susan Hiller, das Hackney Flashers Art Collective<\/em> oder Maureen Scott, deren verzweifelte Mutter mit einem schreienden Kind auf dem Arm einen direkt beim Betreten der Ausstellung anblickt. Ihre Kunst geht unter die Haut. Man nimmt sie mit, wenn man das Tate wieder zur\u00fcck ins Jahr 2023 verl\u00e4sst.<\/p>\n\n\n\n Die Ausstellung<\/a> l\u00e4uft bis zum 7. April 2024 im Tate Britain, London. Danach wird sie in den National Galleries of Scotland und im The Whitworth, The University of Manchester zu sehen sein. <\/p>\n\n\n\n Au\u00dferdem wird sie von einer s<\/a>echs-teiligen Podcast Miniserie<\/a> begleitet.<\/p>","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Die Ausstellung „Women in Revolt“ in der Tate Britain versammelt Positionen von \u00fcber 100 feministischen K\u00fcnstler:innen \u2013 und geht unter die Haut. „Ich hielt es f\u00fcr unm\u00f6glich. Und f\u00fcr einen Albtraum. 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